Nous avons interviewé Iavor Lubomirov, le propriétaire et directeur de Cable Depot, une galerie qui était basée à Londres et qui a maintenant ouvert un nouveau lieu à Sofia. Nous avons rencontré cette galerie d’art internationale à Artissima, à Turin, il y a deux ans grâce au commissaire d’art Tiziano Tancredi.
L’histoire de Cable Depot
Comment est né Cable Depot ?
Cable Depot a été le point culminant de plus d’une décennie de travail au sein d’une culture dirigée par des artistes qui a prospéré à Londres à l’époque. J’ai ouvert Cable Depot en 2019 dans un petit entrepôt industriel sur la rive sud-est de la Tamise. En face de moi se trouvait Thames Side Studios – un immense complexe de studios pour artistes et créateurs. Je cherchais à créer un nouvel espace modèle qui serait affiné, avant tout, autour des besoins de l’artiste. Des concepts de programmation simples mais essentiels comme : un temps suffisant pour développer des idées avant d’occuper l’espace ; des murs accessibles par derrière pour des éléments électriques, techniques et d’installation cachés ; des dimensions de mur intérieur en proportion précise pour une projection 16:9… Après une conversation typiquement de deux ans, les artistes ont été invités à habiter l’espace pour des périodes prolongées de création libre. Les résultats ont été transformateurs. En 2022, j’ai commencé à explorer la possibilité de représenter des artistes – dont la plupart avec lesquels je travaillais et collectionnais depuis plus d’une décennie.
De Londres à Sofia
Vous avez commencé à Londres et avez récemment ouvert un nouveau lieu à Sofia. En tant que Bulgare, quelle est votre perspective sur le marché de l’art et le réseau artistique en Bulgarie ? Et pourquoi avez-vous choisi d’ouvrir l’espace au Marché des Femmes ?
Après trois participations à Art-O-Rama (2022, 23, 24) et deux années à Artissima (2023, 24), j’ai pu ouvrir ma nouvelle galerie de rêve en Bulgarie cette année. Le choix de l’emplacement au Marché des Femmes à Sofia est significatif historiquement, architecturalement et pour les communautés diverses qu’il représente. Cable Depot est situé sur l’une des places centrales du marché. C’est dans une ancienne friperie avec de hauts plafonds, à côté de Punta Gallery, un espace artistique basé à Sofia travaillant en partenariat avec nous.
Depuis l’ouverture en mars 2025, Cable Depot Sofia a participé à deux foires. Art-O-Rama, où notre début dans la section Galeries a été reconnu avec une Mention Spéciale au Prix Because of Many Suns. Ensuite, Cable Depot a participé à Artissima où notre stand a été mis en avant dans un article par le critique d’art londonien Tabish Khan. En juin, Cable Depot Sofia a accueilli Bianca Boeckel Galeria du Brésil. En 2026, j’attends avec impatience des échanges de galeries avec First Floor Gallery Harare au Zimbabwe, et Bianca Boeckel Galeria à São Paulo. J’ai hâte de faire des partenariats avec Sold Out Design Sofia et Ravnikar Gallery Ljubljana lors des foires de l’année prochaine.
Le groupe d’artistes
Comment décririez-vous votre pool d’artistes (Charlie Warde, Georgina Sleap, Liz Elton, Victoria Rance) ? Quelles qualités vous convainquent de les représenter ?
Il y a 3+1 qualités que je recherche chez un artiste. Les trois premières sont si bien résumées dans une citation de Ruskin dans le texte de la récente exposition de Barbara Carnevale à Cable Depot, à propos des trois H de l’art : “la main, la tête et le cœur”. La quatrième est relation. Les artistes que Cable Depot représente actuellement sont des artistes que je connais, avec lesquels j’ai travaillé, montré, soutenu et collectionné depuis des années. Cela vient par nécessité car le travail qui m’attire est souvent celui qui prend un temps considérable à réaliser.
Les qualités des artistes
Charlie Warde’s peintures nécessitent des mois de recherche et de réalisation (son processus est méticuleux et son sujet exigeant). Chacune des œuvres de Liz Elton a une instabilité intégrée qui prendra des années rien que pour arriver à un point où vous pouvez même commencer à les évaluer matériellement. Les expérimenter physiquement est une rencontre spirituelle et leur éphémérité joue son rôle dans cela, donc bien que le message de Liz soit bien plus grand que tout cela, la poignance est inévitable. Victoria emmène la sculpture dans le film et la performance et crée ces immenses histoires sur la Terre, notre sol ancestral commun, avec les autres et avec tout ce qui vit autour de nous, afin de comprendre le présent et l’avenir à travers une lentille plus large. Le processus de Georgina est immense. Je place toujours son travail comme sculpture, mais je l’ai rencontrée pour la première fois à la Prince’s Drawing School. Son travail est si intimement lié au matériel, mais il provient de connexions humaines et d’expériences, en particulier avec des artisans traditionnels avec lesquels elle a travaillé au Royaume-Uni et en Égypte. Nous sommes en pourparlers pour une exposition en 2027, restez à l’écoute.
Ce que tous ces artistes ont en commun pour moi, c’est le temps et le voyage qu’ils prennent en dehors de leur médium afin de pouvoir y revenir.
La participation aux foires d’art
Vous investissez massivement dans des foires telles qu’Artissima, entre autres. Que signifie pour vous participer à une foire d’art ? Vos attentes ont-elles été satisfaites ?
Mon propre approche, je pense, peut être un peu idiosyncratique dans le sens où j’ai présenté des artistes aux mêmes deux foires d’art, qui continuent de me ramener pour leur insistance sur la curation et l’encouragement à repousser les limites. Les foires sont en effet un investissement sérieux dans les artistes et la galerie, et pour moi, chaque participation a été le résultat d’un projet approfondi avec les artistes. Pour mes débuts à Artissima 2023, Charlie Warde et Davide Bertocchi ont passé du temps à Ivrea, documentant un monument significatif de l’histoire architecturale et sociale italienne. Bertocchi a monumentalise ses appareils photo analogiques en marbre italien, les détruisant dans le processus de modélisation et Warde a créé une série de trois plaques de cuivre des dernières photographies de Bertocchi. C’était beau et c’était vu. Occula Magazine nous a fait l’un de leurs dix points forts de la foire. Artissima et Art-O-Rama ont donné à mes artistes une exposition inestimable et j’espère vraiment continuer à participer.
La gamme du marché de l’art
Quel segment du marché ciblez-vous ? Quelle est la gamme de prix des œuvres de vos artistes ? Pourriez-vous donner quelques exemples ?
Nous avons placé des œuvres auprès de divers collectionneurs, mais la fourchette de prix des artistes que je représente se situe généralement entre 5 000 € et 20 000 €, avec quelques œuvres plus petites disponibles dans la fourchette de 1 000 € à 5 000 €.
Quelles sont vos réflexions sur l’art numérique et les pratiques plus éphémères ?
Le médium est-il approprié au message : c’est la seule question. J’ai travaillé avec des conservateurs d’art numérique, par exemple Pita et Elliott Burns de Offsite Project – une plateforme importante pour la curation d’art numérique – mais mon expérience avec l’art en ligne est limitée. Cependant, l’éphémérité de l’art numérique me semble incertaine. Cela semble fragile, mais je n’ai également aucune idée de ce qui est possible en termes d’archivage. Donc, pour moi, l’art éphémère est une catégorie plus matérielle : Eva Hesse, Anya Gallacio, mais aussi Michael Landy et Gustav Metzger… et certainement Liz Elton que j’ai exposée à Artissima cette année et qui expose actuellement à Cable Depot et à la galerie voisine Punta Gallery simultanément. Je comprends bien sûr que c’est une position difficile à adopter dans un contexte de marché, où les questions d’archivage sont généralement si pertinentes, mais des institutions aux collectionneurs privés, acheter quelque chose de matériellement éphémère doit être plus que l’objet lui-même. L’expérience des œuvres sur un mur offre des possibilités monumentales, car elles montrent lentement leurs changements. Mais c’est précisément la nature éphémère du travail de Liz qui lui permet de vivre et de respirer maintenant, de bouger dans une brise lorsque vous vous en approchez. Ce n’est pas une œuvre qui se préoccupe de son propre cycle de vie, elle contient un message pour l’avenir, pour une nouvelle vie.
Liz Elton à Artissima
La pratique de Liz Elton traite des déchets, du compost et du recyclage de la matière. Pourquoi avez-vous choisi de présenter sa recherche dans une exposition en duo à Turin avec Charlie Warde ? (Y a-t-il un lien avec Arte Povera ?) Comment vous attendiez-vous à ce que les collectionneurs et les professionnels de l’art réagissent ?
Il y a une longue histoire derrière cette présentation. J’ai pensé à montrer Charlie et Liz ensemble pendant plusieurs années. Nous avons été en conversation tous les trois depuis le tout début. Techniquement, ils sont tous deux peintres, tous deux poussant ce qui est possible avec la peinture, tous deux entrant et sortant de la grande tradition de la peinture pour synthétiser quelque chose de complètement nouveau. Mais ils traitent également de questions connexes : le gaspillage et le recyclage, la vie sociale, ce sont des réalités sociétales et systémiques. Une partie de notre vie quotidienne. La réponse a été vraiment assez émotionnelle. Et le travail de Liz se connecte effectivement de manière assez naturelle aux idées et aux approches matérielles de l’Arte Povera.
Si vous étiez un conseiller en art, quels artistes représentés par d’autres galeries (similaires ou plus établies) recommanderiez-vous de collectionner ou de surveiller ?
Seung Ah Paik, avec qui j’ai travaillé il y a des années à Londres et qui monte maintenant rapidement avec Bortolami Gallery à New York. Découvrez sa prochaine commande au Rubell Museum. Aussi Benjamin Jones à LOOM Gallery à Milan. Ses photographies sont sublimes.
Quels œuvres d’art aimeriez-vous personnellement avoir dans votre propre collection ?
Oh là là, une grande toile de Seung Ah Paik s’il vous plaît ! Ou Le Moutier par Charlie Warde qui est maintenant dans une collection merveilleuse mais qui me manquera toujours.
Elle collabore depuis de nombreuses années avec des magazines spécialisés tels que Artribune, XIBT Contemporary, ArtApp, Insideart et Espoarte, privilégiant l’art contemporain sous ses multiples facettes et dérivés médiatiques.
