Pour comprendre de près le métier du curateur, nous avons interviewé Tiziano Tancredi, curateur d’art contemporain intéressé aux relations d’ordre anthropologique, sociologique et architectural que les arts visuels instaurent avec l’espace public.
L’interview est disponible en italien, anglais et français, en cliquant sur les drapeaux correspondants dans le menu principal du site.
Tiziano, quel a été le moment décisif qui t’a conduit à entreprendre la carrière de curateur d’art ?
Souvent dans la vie, ce sont les rencontres avec les personnes qui t’ouvrent l’esprit, te conduisant vers des scénarios non facilement prévisibles ou même lointainement imaginables auparavant. Surtout à un moment de formation universitaire en Histoire de l’art, où l’on se sent un peu perdu mais en même temps à l’intérieur d’un àpeiron, une sorte de multivers où tout peut arriver. C’est pour cela que je me souviens avec précision du moment décisif.
Coïncide avec la rencontre, grâce à l’artiste cher ami commun Diego Miguel Mirabella, avec le curateur, journaliste et expert en art Roberto D’Onorio. Avec Roberto, j’ai eu l’occasion de collaborer au projet Nuda Proprietà au sein de cette importante pépinière de savoirs et de partage, personnellement un gymnase de vie, qui a été le Rialto Sant’Ambrogio de Rome.
Comment décrirais-tu ton approche de la conservation ? Quels sont les principes qui guident ton travail ?
Je peux te dire que depuis le début de mon parcours, la conservation a toujours été étroitement liée à l’écriture. Écrire des mots qui, d’une part, pourraient clarifier le point de vue d’un* artiste* exposé et le contexte dans lequel s’inscrit sa recherche, et d’autre part, aideraient à en réverbérer et multiplier le sens à la lumière de nouvelles interprétations.
Cette approche est liée indissolublement à ma formation d’historien de l’art : le plus grand enseignement que j’ai tiré de mon parcours universitaire de trois ans et de master à la Sapienza de Rome a été certainement la possibilité de puiser dans un réservoir de références, en les mettant en relation avec ce que je voyais dans la contemporanéité.
En poursuivant le parcours, j’ai compris que l’activité théorique d’écriture n’était qu’une des parties qui composent la planification curatoriale d’une exposition, et qu’elle inclut surtout des aspects bureaucratiques, logistiques et organisationnels.
Comment trouvez-vous de nouveaux artistes à inclure dans les expositions que vous organisez ?
Si vous voulez savoir comment, je ne ferai pas de secret, même si cela pourrait être le secret de Polichinelle, en disant qu’instagram joue certainement un rôle fondamental dans le suivi des activités des artistes* déjà connus* mais aussi dans la connaissance et la découverte de nouveaux*. Il existe, parfois nous l’oublions, l’option offline très valable et toujours verte.
Dans une exposition qui peut être dans un artist run space, dans une galerie, dans une fondation ou dans un musée, je vois des œuvres qui m’impressionnent et donc je vais approfondir qui les a réalisées. En un mot, comme beaucoup de collègues, je fais de la recherche.
Plus généralement, je suis stimulé par la découverte de nouveaux talents émergents, dans lesquels je peux reconnaître une valeur qui ne doit pas nécessairement être en ligne avec mes intérêts antérieurs. Ils pourraient être l’étincelle, la pièce finale pour compléter un puzzle de projet ou pour la création d’un nouveau ex nihilo.
À quel point considérez-vous important que les œuvres exposées reflètent les défis et les questions de la société contemporaine ?
Certainement, les œuvres des artistes* qui abordent et traitent les grandes questions cruciales qui concernent tout le monde, comme le changement climatique, l’égalité des sexes ou la transition numérique, sont d’une importance primordiale en tant que miroir des défis sociaux, culturels, anthropologiques, politiques de notre époque. Je n’exclus pas, au contraire, je suis intéressé de la même manière par des thématiques moins populaires qui sont plus adaptées à une niche moins considérable de la population.
Pour donner un exemple plus proche, en 2023, j’ai écrit un texte critique intitulé Le désespoir est une forme supérieure de solitude. Pour l’instant, nous l’appellerons “trap” pour l’exposition personnelle NO CAP de plurale à ON/OFF à Milan, en plus d’écrire l’histoire et les textes pour le roman graphique De Barona et de Trap inclus dans le livre SNITCH. À l’intérieur de la trap sous la direction d’Alessio Vigni et plurale, Psicogeografici Editore, Rome.
À ce stade de leur parcours de recherche, au pluriel, il est intéressant de parler des problématiques liées à l’influence de l’esthétique trap sur la génération z dont ils font partie.
Quelle a été la collaboration la plus significative de ta carrière, et pourquoi ?
Je n’ai aucun doute : la collaboration la plus significative de ma carrière a été sans aucun doute celle avec le Syndicat des Retraités Italiens de la CGIL, grâce à l’appel de Lorenzo Rossi Doria, qui m’a permis de réaliser l’exposition collective “Le Personnel est Politique | Le Politique est Personnel” avec les artistes Federica Di Pietrantonio, Verdiana Bove, Guerilla Spam et Collettivo FX, que j’ai organisée à l’occasion de leur XXIe congrès national à la Foire de Vérone, en 2023.
À cette occasion, je me suis senti soutenu du début à la fin par rapport à l’idée d’exposition que j’avais en tête, sans pratiquement jamais devoir faire de compromis. Cela a été un win-win pour tout le monde, y compris les artist*, qui ont vu certaines des œuvres exposées dans l’exposition acquises dans la collection du Spi-CGIL.
Quelles différences remarquez-vous dans la manière dont l’art est perçu et présenté dans des contextes internationaux par rapport à celui italien ?
Je ne peux pas faire un discours de perception en général, mais plutôt me concentrer sur les pays dont j’ai une meilleure connaissance. En France, et en particulier à Paris, j’ai vécu pendant 4 ans entre 2019 et 2023, travaillant à la Bourse de Commerce et à la Galerie Valeria Cetraro. Par rapport à l’Italie, j’ai la conviction qu’il y a là-bas une plus grande professionnalisation de la figure de l’artiste*, ainsi qu’un nombre croissant de protections en tant qu’affiliés au régime social spécifique des artistes-auteurs.
Les art worker italiens travaillent beaucoup pour tenter de combler l’écart entre l’étranger et notre pays dans ce sens. En France, il existe en outre une activité ramifiée de soutien au système de l’art contemporain, qui prend le nom des FRAC, les Fonds régional d’art contemporain (Fonds Régionaux d’Art Contemporain). En Italie, bien que des progrès aient été réalisés avec l’augmentation des appels d’offres de la Direzione Generale Creatività Contemporanea, il ne me semble pas que des résultats aussi organiques aient été atteints.
De quelle manière les technologies numériques influencent-elles le rôle du curateur?
Les technologies numériques influencent profondément le rôle du curateur, élargissant ses capacités et changeant la manière dont l’art et la culture sont présentés et consommés. Voici quelques-uns des aspects principaux :
• Accès et diffusion mondiale : Les plateformes numériques permettent aux conservateurs d’atteindre un public mondial. Les expositions virtuelles et le contenu en ligne, tels que des vidéos, des images haute résolution et des visites interactives, permettent de surmonter les barrières géographiques et temporelles, élargissant l’accès à l’art.
• Nouvelles modalités de curatelle : La curatelle ne se limite plus à la gestion d’expositions physiques. Les curateurs sont désormais appelés à concevoir des expériences interactives et immersives, telles que des installations numériques, la réalité augmentée (AR) et la réalité virtuelle (VR), qui impliquent le public de manière innovante.
• Conservation numérique : Les technologies offrent de nouvelles solutions pour la conservation des œuvres, tant physiques que numériques. L’archivage numérique d’œuvres d’art et de documents permet une préservation plus durable et accessible, mais pose également de nouveaux défis concernant la protection des droits et la gestion des informations.
• Analyse des données et personnalisation : Les conservateurs peuvent utiliser des outils d’analyse des données pour mieux comprendre le comportement et les intérêts du public. Cela permet de créer des expériences personnalisées et d’adapter les expositions en fonction des préférences des visiteurs.
• Collaborations et accessibilité : Les technologies numériques favorisent la collaboration entre conservateurs, artistes et institutions du monde entier. De plus, grâce à des outils d’accessibilité numérique, tels que sous-titres, audioguides et traductions automatiques, les expositions deviennent plus inclusives.
• Évolution du concept de « spazio espositivo » : L’environnement physique de la galerie ou du musée n’est qu’un des multiples espaces dans lesquels se développent aujourd’hui les pratiques curatoriales. Les curateurs explorent de nouvelles modalités d’interaction avec le public, y compris à travers des plateformes sociales, des sites web et des applications, où la curation peut se faire en temps réel et à distance.
En résumé, les technologies numériques enrichissent et multiplient les possibilités pour les conservateurs, élargissant les frontières traditionnelles du rôle, tant dans la gestion des œuvres que dans l’interaction avec le public.
Par exemple, en demandant à chatgp de répondre à cette question. Voici cependant la mienne :
La numérisation croissante de la contemporanéité, celle que je mentionnais dans une réponse précédente comme « transition au numérique », a un impact décisif sur la société et par conséquent aussi sur l’art, sur sa consommation et sur sa production. En tant que curateur vivant à cette époque définie comme la société de l’information et de la connaissance, je ne peux pas ne pas regarder avec intérêt l’évolution et les répercussions que cela a sur les recherches des artistes* contemporains.
Federica Di Pietrantonio, à mon avis l’une des artistes les plus intéressantes de la scène italienne, des points de contact et de discrimination entre la réalité et celle expérimentée à travers des processus d’identification et de représentation dans des réalités simulées/augmentées/virtuelles a fait le centre de sa recherche.
Quel est, selon toi, le rapport idéal entre le commissariat et le marché de l’art?
Je crois qu’un bon* curator* peut et doit aussi être un bon* art advisor. Pas pour des raisons abstraites, mais parce qu’au cours de son expérience d’étude ou de travail, il devrait avoir acquis parmi les flèches à son arc cette compétence également.
Si l’on a bien fait son travail, si l’on a présenté et défendu avec une abondance de détails et une force d’arguments le travail d’un* artiste*, parce qu’on y croit personnellement, la vente qui peut être à un* collectionneur privé, à une fondation ou à un musée, devrait être la plus normale, certainement la plus souhaitable, conclusion de ce processus. Évidemment, plus une œuvre d’art croise les goûts de l’acheteur, plus l’acquisition est probable.
Quels conseils donneriez-vous à ceux qui souhaitent entreprendre la profession de curateur d’art ?
D’être curieux. De se lancer et peut-être de se tromper mais avec une conscience en plus. De voyager beaucoup et de connaître le plus grand nombre de personnes possible. De chercher à collaborer de manière saine avec des personnes qui soutiennent votre vision et croient que votre contribution peut être un enrichissement et un échange pour eux.
Ne pas penser exclusivement au positionnement, à la recherche d’une cohérence fantomatique et idéale de représentation de soi à tout prix (qui n’existe pas !).
Une fois qu’une position, même minime, est acquise, il est important d’être généreux et de partager des expériences et des informations avec ceux qui découvrent ce monde (plus petit qu’on ne le pense) pour la première fois. Ne pas se décourager face aux premiers échecs, mais au contraire persévérer, car les choses, si on les veut, finissent par arriver tôt ou tard.
Peux-tu partager quelque chose sur tes prochains projets ou expositions?
Je suis assez superstitieux et j’adhère pleinement à la philosophie trapattienne de ne pas dire chat si tu ne l’as pas dans le sac. Je peux cependant anticiper que je suis le projet Appartenenza, toujours en cours, de l’artiste Enrico Tuzzi, en art Carne.
À travers des médiums tels que la photographie, le collage et la broderie, Appartenenza aborde des questions existentielles centrales pour l’être humain, en traitant le thème de l’identité et en contribuant à ajouter des pièces à la reconstruction de la mémoire historique de l’Ex-Yougoslavie.
Experte en marketing digital, Amelia a commencé à travailler dans le secteur de la fintech en 2014 après avoir écrit sa thèse sur la technologie Bitcoin. Auparavant, elle a été auteure pour plusieurs magazines internationaux liés aux cryptomonnaies et CMO chez Eidoo. Elle est aujourd’hui cofondatrice et rédactrice en chef de The Cryptonomist et d’Econique.
