Pour notre rubrique « artistes de pointe », nous avons choisi de parler de Agnes Scherer qui s’est récemment fait remarquer à Art Basel Paris, voyons ci-dessous les raisons.
La Biographie et la recherche d’Agnes Scherer
Elle est née en 1985 à Lohr am Main, en Allemagne. Elle vit et travaille entre Salzbourg et Berlin. Elle a étudié la peinture à la Kunstakademie de Düsseldorf avec Peter Doig et Enrico David, et elle est professeure de peinture à l’Université Mozarteum de Salzbourg. Scherer est une artiste cultivée et consciente. Son œuvre s’étend avec aisance entre techniques et médias – toile, papier, papier mâché; feutre, peinture, sculpture, installation, performance, musique. Cette polyvalence répond à une habileté qui bouleverse, surtout lorsqu’on observe le progrès de sa recherche au fil des ans. À chaque nouvelle exposition, Agnes Scherer mûrit techniquement et ne se révèle jamais banale dans les thématiques qu’elle aborde. Relations sentimentales et stéréotypes, bras de fer entre le peuple et les organes du pouvoir, abus et manipulations, mécanismes inhérents au système socio-politique, événements emblématiques dans l’histoire et réévaluation de ceux-ci à travers les lentilles de l’actualité. L’artiste explore la technologie et ses conséquences, au-delà des bénéfices : dissociation de la réalité et apathie.
L’œuvre d’Agnes Scherer
Au cours de sa pratique artistique, Agnes Scherer explore les relations de pouvoir et les psychologies sous-jacentes aux mécanismes hégémoniques. Puisant abondamment dans les sources de l’histoire de l’art, de l’anthropologie et de l’histoire culturelle, Scherer subvertit, par le biais de l’expression artistique, les stratégies de communication habituellement liées à la consolidation du pouvoir. En particulier, elle interroge les lieux de diffusion de l’art contemporain car elle les considère non immunisés contre les dynamiques capitalistiques et de marché. Elle voit les galeries d’art comme
« lieux de divertissement qui produisent une douce coercition ».
Le point central de son travail critique l’industrialisation non pas en tant que période historique mais comme métaphore d’un processus qui pousse l’homme à poursuivre uniquement les logiques de profit. L’artiste construit ainsi des devices sculpturaux qui l’aident à communiquer sa pensée en la transformant en un story-telling fabuleux qui se déroule, cependant, autour de moments iconiques de l’histoire de l’homme.
Quelques œuvres et installations d’Agnes Scherer. Strawfires
Pour le festival « Curated by » de Untold Narratives, l’exposition Strawfires à la galerie Meyer Kainer, Vienne (17 septembre – 2 novembre 2024) – est une installation scénographique, composée d’éléments picturaux et sculpturaux. La protagoniste est Maria Antonietta. Les peintures d’Agnes Scherer représentent la reine dans le rôle d’une paysanne; dans l’installation, il y a des paniers d’œufs et des guillotines répétées l’une derrière l’autre, dans une mise-en-abyme.
Woe and Awe, l’exposition chez Sadie Coles
Pour la première exposition chez Sadie Coles H.Q. (Londres) peintures, sculptures et dioramas faits à la main convergent dans un spectacle installatif et performatif. L’œuvre centrale est un pliage de papier. Il s’agit d’un dossier transformable doté de plis, rabats, leviers et tiges. Les pages sont soulevées par l’artiste et par certains performeurs de manière manuelle. Les formes tridimensionnelles créent une mise en scène complexe, presque un décor théâtral. L’œuvre s’inspire des livres « pop-up » des années soixante-dix de John Byrne, rendus encore plus grands.
Le diorama dépeint certains cas dans l’histoire de la société occidentale où la créativité et l’esprit de curiosité ont été cooptés pour l’industrie. D’une baleine échouée, on obtient l’huile pour lampes, ces dernières éclairent des ouvriers qui travaillent la nuit pour produire des réveils. Deux inventeurs créent un cygne avec des mécanismes automatiques… dans une succession de chaînes cause-effet qui ont conduit à l’alimentation de la machine du Capitalisme. Woe and Awe signifie, en effet, « Guai e dolori ».
L’exposition en Californie d’Agnes Scherer
Pour l’exposition à Los Angeles, organisée par Page (NYC) en collaboration avec la galerie locale Bel Ami (qui a accueilli l’exposition), Agnes a exposé des œuvres issues de la résidence californienne. Les travaux sont sur papier : collage et cut-out stratifiés travaillés avec graphite, crayons de couleur, aquarelles et encre. Au centre de la galerie est positionnée une sculpture en forme de cerf-volant qui accueille une figure allongée.
Le lit de l’artiste et la femme trophée dans l’amour courtois
L’œuvre de 2022 Trousseau dérangé 1 (trouble de la dot 1) a été exposée dans le cadre de l’exposition Savoir Vivre à la Chertlüdde Gallery de Berlin, du 16 février au 28 mars 2024. Elle imite le lit de l’artiste elle-même et rassemble les souvenirs d’une mariée dont nous ne connaissons pas l’identité : des parties d’une robe, des gants, un visage-masque et des mèches de cheveux. L’ambiguïté porte sur l’entité de cet objet… veut-il être un lit nuptial ou un reliquaire ? Le mariage est-il une bénédiction ou une condamnation ?
Parmi les décorations, on remarque un mélange de références à première vue illogique, de S. Nicola à un détail de La naissance de Vénus de Sandro Botticelli. L’exposition se termine par des sculptures en papier mâché ayant l’apparence de marionnettes. Elles évoquent un tournoi médiéval et font allusion à la persistance de l’« amour courtois » dans l’actualité. La femme est souvent encore perçue comme un objet de désir, un trophée à conquérir tandis que le défi martial est synonyme de masculinité toxique.
Deux chevaliers à cheval s’affrontent avec leurs lances tandis que douze dames de cour sont dans les gradins à observer le combat. Les spectatrices ont les iris percés, donc leur regard tombe dans le vide. En arrière-plan, un dessin montre quelques femmes nourrissant des oies avec un entonnoir pour le foie gras.
Conversation avec Agnes Scherer
Pourquoi penses-tu que ton travail est resté si sous les radars à Art Basel Paris ?
J’imagine que le lit s’est distingué parce qu’il est fait de papier et qu’il a une présence plus vulnérable par rapport aux œuvres exposées dans une foire d’art. Parfois, la vulnérabilité augmente la présence. Mais il y a aussi quelque chose d’hypnotisant dans le lit à baldaquin… sa forme et sa qualité symbolique. Peut-être est-ce pour cela que les rois l’ont utilisé dans les salles de réception.
Créez-vous des œuvres sur papier parce que vous voulez les rendre plus éphémères, afin de contrer les attentes du marché?
Je travaille beaucoup avec la toile, mais tu as raison de dire que je suis un amateur de papier. Cependant, je ne considère pas le papier comme un matériau éphémère. Aujourd’hui, nous avons encore de nombreuses œuvres sur papier qui ont été réalisées il y a 500 ans. Mais c’est vrai : une sculpture en papier n’est pas immédiatement perçue comme un bien de collection, même si au fond elle l’est. Personnellement, j’apprécie le fait que cela implique une qualité différente dans la perception de l’œuvre d’art.
Prépares-tu une nouvelle exposition ? Quel concept embrassera-t-elle et où sera-t-elle ?
Certains de mes projets pour 2025 et 2026 doivent encore être annoncés officiellement par les institutions hôtes, mais je peux dire que j’ai reçu des invitations dont je me sens très honorée. Pour l’instant, c’est tout : avec la galerie Chertlüdde (Berlin), je serai représentée dans l’une des nouvelles “vitrines” d’Art Basel – un nouveau format avec lequel j’ai hâte de jouer. En automne, j’aurai l’opportunité de présenter une exposition personnelle chez Sans Titre à Paris.
Quels sont les thèmes qui vous tiennent le plus à cœur en ce moment ?
Il est difficile de s’adapter à la réalité altérée dans laquelle nous nous trouvons à la suite des récents changements politiques. Je me retrouve à contempler d’autres sources par rapport au passé. Des artistes qui ont trouvé le moyen de continuer à travailler en temps critiques, comme Goya. Même l’exposition actuelle de Rudolf Wacker au Leopold Museum de Vienne me semble pertinente. Surtout ses représentations du Christ et d’autres saints sans bras et sans mains continuent de résonner en moi.
Elle collabore depuis de nombreuses années avec des magazines spécialisés tels que Artribune, XIBT Contemporary, ArtApp, Insideart et Espoarte, privilégiant l’art contemporain sous ses multiples facettes et dérivés médiatiques.
