Entretien avec la cofondatrice Anna Frants sur la valeur de l’interdisciplinarité entre l’art, la science et la technologie comme moteur de l’innovation
Dans le paysage international du media art, rares sont les projets pouvant revendiquer la continuité, le réseau mondial et la capacité de relier l’art, la technologie et la recherche qu’a développés Anna Frants. Artiste multimédia, commissaire d’exposition et cofondatrice de CYLAND MediaArtLab, Frants compte également parmi les initiateurs de CYFEST, l’un des festivals consacrés au media art les plus anciens et les plus reconnus à l’échelle internationale.
Fondé en 2007 et aujourd’hui parvenu à sa dix-septième édition, CYFEST réunit des artistes, commissaires d’exposition, ingénieurs, programmeurs, chercheurs et militants venus du monde entier, favorisant un dialogue permanent entre les langages artistiques, l’innovation technologique et la réflexion critique sur les transformations contemporaines. La 17ᵉ édition, inaugurée à Thessalonique à la fin de l’année 2025, se poursuit aujourd’hui à Venise avec un programme de performances, de projections et de rencontres, avant de culminer avec l’exposition «Natura Naturans : Human Beings, Nature, Landscape», présentée au CREA Cantieri del Contemporaneo jusqu’au 31 août 2026.
Au cours de cette conversation, nous avons abordé les thèmes qui traversent l’ensemble de la vision de CYLAND : la valeur de la fertilisation croisée entre disciplines, la relation entre l’être humain, la nature et le paysage, le rôle de l’art comme principe actif au sein de la société contemporaine, ainsi que les perspectives d’avenir du media art dans un monde de plus en plus façonné par l’interaction entre créativité, science et technologie.
L’entretien
Anna, pour un festival de premier plan comme le vôtre, fondé sur le réseautage et capable de réunir des artistes, des commissaires d’exposition, des ingénieurs et des militants venus du monde entier, quelle importance revêt aujourd’hui la fertilisation croisée entre disciplines, y compris entre des domaines qui peuvent sembler très éloignés les uns des autres ?
Il n’existe pas de frontières strictes entre les disciplines artistiques. La peinture, la vidéo, le son, la performance et les technologies numériques appartiennent tous à un même continuum artistique. Le media art s’épanouit précisément grâce à l’interaction de ces différentes formes, ce qui rend les échanges interdisciplinaires essentiels. En tant qu’artiste et commissaire d’exposition, j’ai pu constater combien la collaboration, notamment avec les ingénieurs, constitue un moteur d’innovation. Les artistes apportent souvent des points de vue non conventionnels, tandis que les ingénieurs mettent à disposition leur expertise technique. Ensemble, ils peuvent élaborer des solutions auxquelles aucune des deux parties ne parviendrait seule.
Ce processus est profondément itératif. Une œuvre évolue au fil de l’expérimentation, les choix techniques et artistiques s’influençant constamment les uns les autres. La nécessité, pour les ingénieurs, de comprendre pleinement la dimension conceptuelle d’un projet dépend de chaque individu. Certains s’investissent profondément dans les idées qui sous-tendent l’œuvre, tandis que d’autres se concentrent principalement sur la résolution des défis techniques. Fait intéressant, au sein de l’équipe de CYLAND, plusieurs ingénieurs sont progressivement devenus eux-mêmes des artistes. Cela montre que la pensée artistique peut se développer parallèlement aux compétences techniques, brouillant encore davantage les frontières entre les disciplines.
Le titre de l’exposition, « Natura Naturans : Human Beings, Nature, Landscape », introduit trois concepts particulièrement forts et d’une grande actualité. Existe-t-il un modèle auquel vous vous référez dans votre recherche d’un équilibre entre l’être humain, la nature et le paysage ?
Depuis l’Antiquité, les êtres humains entretiennent une relation changeante avec la nature et le paysage : parfois en harmonie, parfois à distance. Aujourd’hui, nous traversons une période marquée par la déconnexion et la disharmonie. Nos œuvres cherchent à rétablir un dialogue avec le monde naturel, en créant des espaces où les liens oubliés peuvent être ressentis, réimaginés et renouvelés. Un artiste ne se contente pas de représenter la nature : il participe à son dynamisme. Une œuvre d’art n’est pas une image de la nature ; c’est une forme en mouvement, une invitation à faire l’expérience de la nature à travers l’acte de créer et de transformer.
Nous vivons à une époque où la nature est souvent réduite à une ressource ou à un simple décor. L’art peut s’opposer à cette vision. Il peut nous rappeler que nous ne sommes pas extérieurs à la nature : nous en faisons partie. Et que l’art n’imite pas tant la nature qu’il n’entre en conversation avec elle, révélant toute la profondeur de ce lien.
Dans cette triade « Êtres humains – Nature – Paysage », pensez-vous que le monde de la production, de l’entreprise et de l’industrie porte lui aussi aujourd’hui une responsabilité culturelle à l’égard de ces équilibres ?
Aujourd’hui, la question n’est plus de savoir si le monde de l’entreprise a une responsabilité à l’égard de l’équilibre entre les êtres humains, la nature et le paysage, mais dans quelle mesure il assume cette responsabilité avec conscience. L’art peut jouer un rôle important dans ce processus. Les évolutions les plus intéressantes apparaissent lorsque ces différentes perspectives entrent en dialogue plutôt que de demeurer confinées dans des sphères séparées.
Le concept thématique de l’édition actuelle du festival affirme que l’art est conçu comme un « principe actif ». C’est une définition particulièrement intéressante : que signifie cette idée pour vous dans le contexte actuel ?
L’art ne se contente pas de représenter le monde : il contribue à façonner la manière dont nous le comprenons. Tout au long du XXᵉ siècle, les artistes ont répondu aux transformations sociales, politiques et technologiques en développant de nouvelles formes d’expression et en remettant en question les modes de pensée établis. Le media art s’inscrit dans cette tradition. Il se développe à l’intersection de l’art, de la science et de la technologie et évolue sans cesse à mesure que de nouveaux outils et de nouvelles découvertes apparaissent. Plutôt que d’être défini par un médium ou un style unique, le media art est porté par l’expérimentation et par la recherche de nouvelles façons d’entrer en relation avec la réalité contemporaine. En ce sens, l’art est actif parce qu’il crée de nouvelles expériences, de nouvelles formes d’interaction et de nouvelles manières de percevoir le monde qui nous entoure.
Lors des journées d’ouverture du festival, vous avez présenté l’ouvrage Afterwards. Art in the Time of Change, publié par CURA et produit par la CYLAND Foundation, sous la direction de Valentino Catricalà. Cette publication explore le rôle de l’art, de la science et de la technologie à notre époque à travers des essais et des entretiens avec des artistes et penseurs internationaux. De ces réflexions, des idées ou des visions communes ont-elles émergé ? Pensez-vous qu’il existe un dénominateur commun ?
Le livre a été conçu à l’origine durant la pandémie de COVID-19, une période où beaucoup d’entre nous ont été amenés à reconsidérer leur relation à la technologie, à la société et aux autres.
Un dénominateur commun a été l’importance de préserver un espace de réflexion critique. Un autre thème récurrent a été celui de l’interconnexion. Les défis auxquels nous sommes confrontés aujourd’hui ne peuvent être compris à travers une seule discipline. L’art, la science et la technologie se recoupent de plus en plus, et les innovations les plus significatives naissent souvent de leur dialogue. La publication reflète cette conviction : bien que les contributeurs proviennent d’horizons et de perspectives différents, ils partagent la conviction que la créativité, la curiosité et la collaboration sont essentielles pour comprendre le présent et imaginer les futurs possibles.
Au-delà du festival, la relation entre l’art et l’entreprise s’éloigne aujourd’hui de plus en plus de la logique traditionnelle du mécénat pour prendre des formes plus globales, fondées sur des projets, la culture et la stratégie. Quelle est votre position à l’égard de ces nouvelles formes de collaboration ? Quel potentiel voyez-vous dans le dialogue entre l’art contemporain, les sciences humaines et les marques ?
La relation entre l’art et le monde de l’entreprise semble difficile. Le media art est difficile à commercialiser ; il exige davantage de maintenance que les formes d’art picturales. Du point de vue du collectionneur, qu’il s’agisse d’un collectionneur privé ou d’une entreprise, cela implique donc un investissement supplémentaire.
Dans ce paysage de plus en plus hybride, la figure de l’artiste évolue elle aussi en permanence. Si nous essayons d’imaginer l’avenir, quel rôle stratégique ou quelle place un artiste pourrait-il occuper au sein du conseil d’administration d’une entreprise ?
Uniquement pour aider la nouvelle génération d’artistes, si cela présente un intérêt. Dans le cas contraire, je pense que les fonctions administratives interfèrent avec le fait d’être artiste.
Depuis 2007 jusqu’à aujourd’hui, CYLAND a collaboré avec de nombreuses fondations, universités, centres de recherche et institutions de renommée internationale. Quels sont les partenariats que vous considérez comme les plus significatifs dans votre parcours, et pourquoi ?
Nous considérons comme particulièrement précieuse notre collaboration avec l’Université Ca’ Foscari de Venise et la professeure Silvia Burini. Depuis 2011, nous travaillons ensemble sur des expositions, des programmes de projections, des publications et des projets de recherche, construisant un dialogue durable entre le media art et le monde universitaire. Parmi les moments les plus marquants figurent les nombreux projets de CYFEST présentés à Venise, ainsi que des initiatives éditoriales telles que Sostenibilart. Ambassadors of Sustainability (2022). Fondée sur une curiosité intellectuelle partagée, cette collaboration demeure l’une des plus riches de sens et des plus fécondes dans le développement de CYLAND.
CYLAND se définit comme un « Media Art Lab ». Selon vous, quel rôle le media art et les langages artistiques numériques joueront-ils sur le marché de l’art et dans l’histoire de l’art au cours des prochaines années ?
Nous définissons CYLAND comme un Media Art Lab parce que le media art existe dans les croisements entre les différents médiums. Il naît à l’intersection de la technologie, de l’art, de la science, du son, de l’image, de la performance et de la communication. Le modèle du laboratoire reflète notre engagement en faveur de l’expérimentation, de la collaboration et de l’exploration de formes, anciennes comme nouvelles, qui émergent de ces points de rencontre.
Quelles qualités recherchez-vous aujourd’hui chez les artistes et dans les projets que vous considérez comme véritablement pertinents dans le paysage contemporain du media art ?
L’art vient avant tout ; la technologie n’est qu’un médium. D’un point de vue artistique, je pense qu’il n’existe pas véritablement de nouveaux thèmes en art ; ce sont plutôt de nouveaux matériaux et de nouveaux outils numériques qui viennent s’ajouter, offrant de nouvelles possibilités d’expression. L’idée fondamentale, ou le « message » que l’artiste souhaite transmettre, demeure primordiale. Le médium choisi est au service de cette intention et lui apporte de nouvelles possibilités expressives, tandis que les aspects techniques dépendent souvent de ce qui est « à portée de main » ou accessible. C’est souvent « une idée ancienne, un médium nouveau ».
En définitive, pour moi, le spectateur fait toujours partie intégrante de l’œuvre. Une œuvre d’art doit entrer en résonance avec son public, susciter des émotions et des associations, produire un effet sur le plan mental. Personnellement, je ne suis pas une fervente partisane des longs textes d’accompagnement, car je pense que l’impact principal doit être émotionnel, même si je reconnais que les attentes et les sensibilités des spectateurs varient énormément selon les cultures et les individus.
Quels projets et quelles perspectives d’avenir envisagez-vous pour CYLAND et CYFEST ?
Nous souhaitons poursuivre notre voyage à travers le monde. L’Amérique latine représente aujourd’hui un centre d’intérêt tout particulier pour nous.
Artiste médiatique actif depuis 2013, avec plus de 80 expositions dans le monde entier. Ses œuvres font partie du catalogue de l’Heure Exquise !, distributeur des collections audiovisuelles du musée du Louvre et du musée d’Orsay. Il a été sélectionné à l’adresse
pour des événements et des expositions majeurs, notamment le XVI Videoart Yearbook, sous la direction du critique d’art Renato Barilli, la Collettiva Giovani Artisti de la Fondazione Bevilacqua La Masa et la Biennale de Wrong, et a remporté de nombreux prix et récompenses au fil des ans.
Ses recherches artistiques ont également été incluses dans le volume « L’arte del XXI secolo. Themes, Languages, Artists » de Viviana Vannucci, conférencière et conservatrice internationale.
Parallèlement à son activité artistique, il travaille comme directeur artistique dans le domaine de la communication multimédia. Entre art et communication, il a inventé le terme « Artivator » pour définir un nouveau rôle de l’artiste : activateur culturel pour des marques, des territoires et des réalités en dehors du système de l’art. Il est également l’auteur du manifeste littéraire Metaluddism, publié dans l’apériodique Il Foglio Clandestino.
