Pour approfondir de l’intérieur les mécanismes du marché de l’art et en particulier de la conservation et de comment on choisit d’investir son temps, travail et argent sur un artiste plutôt que sur un autre, nous avons décidé d’interviewer Ivan Quaroni.
Comment définiriez-vous l’état actuel du marché de l’art ? Quelles sont les principales tendances que vous observez ?
Le marché est par définition conservateur, il a tendance, c’est-à-dire, à confirmer les valeurs consolidées. En 2024 l’œuvre vendue au prix le plus élevé a été une de la série de L’empire des lumières de René Magritte, un tableau de 1954 adjugé par Christie’s pour plus de 121 millions de dollars. Ensuite, une peinture de 1964 d’Ed Ruscha, toujours par Christie’s, à plus de 68 millions de dollars, un Nymphéa de Monet adjugé par Sotheby’s à 59 millions de dollars; Untitled (Elmar) de Basquiat cédée à 46,5 millions de dollars par Phillips et, enfin, encore un tableau de René Magritte (L’ami intime, 1958), qui a totalisé 40,2 millions.
Compte tenu de ces noms, je dirais que la tendance est restée conservatrice. Ce sont tous des artistes de valeur incontestée. Je ne vois pas de tendance innovante sur le marché. Comme l’a écrit dans «Il Giornale» l’ami écrivain et collectionneur Piersandro Pallavicini, le monde de l’art s’oriente de plus en plus vers des artistes qui traitent de thématiques comme la décolonisation, l’égalité des sexes, la sauvegarde des minorités culturelles, en somme tout le corollaire de la sensibilité Woke, il suffit de regarder les dernières Biennales de Venise, à partir de celle organisée par Okwui Enwezor en 2015, jusqu’à la plus récente d’Adriano Pedrosa. Ironiquement, le marché continue de récompenser des artistes européens et américains, souvent achetés par de grands collectionneurs asiatiques.
Comment le rôle du curateur a-t-il changé avec l’évolution du marché et l’avènement des technologies numériques ?
La tâche du curateur est de “prendre soin”. On oublie souvent la signification étymologique du terme, qui dérive du latin “Curator”, qui est celui qui garde, préserve et organise une collection d’art. Un terme qui a ensuite désigné de manière extensive la personne qui organise des événements ou des initiatives artistiques.
Dans ce sens, le rôle du conservateur est resté inchangé. Le marché n’influence pas le rôle de conservation. Dans le cas de l’avènement des technologies numériques, le conservateur doit seulement se familiariser avec les questions relatives aux outils et aux types de transmission et de conservation des contenus numériques. Le conservateur d’art numérique doit savoir quels dispositifs doivent être utilisés pour permettre la consultation de ces contenus.
Le coefficient des artistes est un sujet souvent discuté. Quelle est votre opinion sur sa pertinence dans le marché de l’art contemporain ?
Le coefficient est un outil utile, mais imparfait. Il permet aux collectionneurs d’avoir un paramètre de référence du prix des œuvres d’un artiste, mais pas de leur valeur réelle. La valeur et le prix sont deux choses différentes, même si le marché tend à les homogénéiser.
La valeur d’un artiste est quelque chose que seuls les experts et les passionnés peuvent reconnaître, tandis que le prix est un indicateur utile aux spéculateurs, qui veulent souvent savoir quel est précisément le coefficient d’un artiste.
L’art numérique et les NFT ont gagné en popularité ces dernières années. Penses-tu qu’ils représentent une opportunité réelle ou une mode passagère ?
Je dirais que ce que l’art numérique et les NFT ont gagné en termes de notoriété ces dernières années a été en partie dissipé par une industrie, celle des cryptomonnaies, qui a malheureusement montré toutes ses limites structurelles et culturelles. J’ajoute qu’aucun des artistes numériques n’est compté parmi les Blue Chips de l’art contemporain.
Même Beeple n’a plus fait les chiffres de la célèbre vente aux enchères de Christie’s. Et nous savons qu’il s’agissait surtout d’une opération stratégique, qui n’a rien à voir avec la valeur de l’œuvre. On peut en dire autant pour Comedians de Maurizio Cattelan. Ce sont des opérations de marketing, qui servent à faire parler d’elles. Un vrai collectionneur, attentif, préparé, n’est pas intéressé par ce genre de choses.
Quelles sont les qualités fondamentales qui rendent un artiste intéressant pour le marché?
Ce sont les mêmes que décrit Donald Thompson dans le livre “Lo squalo da 12 milioni di dollari” lorsqu’il parle des artistes de marque.
Un artiste est intéressant pour le marché lorsqu’il est représenté par les bonnes galeries, celles qui participent aux foires les plus importantes (TEFAF de Maastricht, Art Basel, Frieze, Armony Show, etc.), a participé aux événements artistiques les plus importants (Biennale de Venise, Documenta, Manifesta), est acheté par des collectionneurs célèbres, est exposé dans des musées importants comme le MoMA ou le Guggenheim de New York, la Tate Modern de Londres ou le Centre Pompidou de Paris.
Si ensuite il collabore avec des marques de mode comme Louis Vuitton ou se trouve dans les collections des propriétaires de marques comme Prada, Trussardi ou Gucci, c’est encore mieux.
Quel rôle jouent aujourd’hui les foires d’art dans la promotion des artistes et des collectionneurs ? Voyez-vous des critiques dans ce modèle ?
Les foires et les enchères gouvernent le marché et, d’une certaine manière, sont en concurrence entre elles. Le vrai travail, cependant, est fait par les galeristes et les marchands d’art, ceux qui promeuvent les artistes, organisent leurs expositions, produisent leurs catalogues et font connaître leurs œuvres. Les foires jouent un rôle fondamental pour faire connaître ce travail important des galeries. Une galerie qui ne participe pas aux foires d’art, quel que soit leur niveau, a peu de chances de survivre.
Cette tendance est confirmée par la multiplication exponentielle des foires d’art dans le monde et par l’expansionnisme de celles de marque, comme Art Basel et Frieze, la première présente, outre qu’à Bâle, à Miami Beach, Paris et Hong Kong, la seconde, outre qu’à Londres, avec des sites également à New York, Los Angeles et Séoul.
Le modèle des foires de brand est la conséquence logique du marché global. Il fonctionne surtout pour les grands noms de l’art, mais souvent il n’a rien à voir avec les logiques souvent territoriales et culturellement enracinées des productions artistiques locales ou nationales.
Comment le marché de l’art peut-il s’adapter à un public plus jeune, souvent moins enclin à acheter des œuvres traditionnelles ?
Le marché n’est jamais innovant. Les personnes peuvent l’être, certains entrepreneurs, mais le marché va là où il y a de l’argent. Et l’argent tourne autour des artistes qui ne dévaluent pas, comme Magritte, Monet ou Basquiat. Le problème des jeunes collectionneurs est qu’ils ne sont pas assez riches pour pouvoir s’acheter des œuvres traditionnelles ou qu’ils sont trop ignorants pour en comprendre la valeur. Je soupçonne que c’est l’ignorance, plus que le manque de fonds, qui fait la différence. Ta question, cependant, est une autre.
Tu veux savoir si ces jeunes collectionneurs peuvent être incités à acheter un art qu’ils peuvent comprendre, fait par des artistes plus proches d’eux générationnellement. La réponse est que c’est leur tâche, c’est-à-dire celle de ces soi-disant jeunes collectionneurs, de trouver ces artistes, d’acheter leurs œuvres, de les soutenir, en somme de jouer envers eux le rôle de mécènes, comme l’a fait Charles Saatchi avec les ex YBA (Young British Artists). Ce n’est pas le rôle du marché de trouver les jeunes artistes, mais celui des galeristes, curateurs et collectionneurs.
Y a-t-il une différence significative entre le marché de l’art en Italie et celui international ? Quels sont, selon toi, les points forts et les faiblesses du marché italien ?
La différence est que l’Italie compte désormais très peu sur l’échiquier international de l’art. Nous représentons environ 2 pour cent du marché mondial, dominé par les États-Unis (42%), la Chine (19%), le Royaume-Uni (17%) et la France (7%), qui ensemble constituent plus de 85% de la valeur totale. Du moins, ce sont les données du Rapport «The Art Market di Art Basel» de 2023.
Je ne pense pas que beaucoup de choses aient changé. Au premier semestre de 2024, il est connu que le chiffre d’affaires du marché de l’art en Italie s’est contracté de 28% (ce sont les données du rapport “Il mercato dell’arte e dei beni da collezione” de Deloitte Private) et que les principales maisons de vente aux enchères ont subi une contraction à deux chiffres dans le chiffre d’affaires avec une diminution des offres des collectionneurs.
Franchement, je ne vois pas de points forts sur le marché italien, par rapport à celui étranger. En effet, il ne me semble pas qu’il y ait eu, à part l’Art Bonus qui cependant n’impacte pas beaucoup le marché, de politiques gouvernementales en soutien de la filière artistique en Italie.
Comment voyez-vous l’avenir des galeries traditionnelles à une époque de digitalisation croissante et de marketplaces en ligne ?
Quand vous achetez une œuvre de centaines de milliers de dollars ou même de millions de dollars, vous voulez la voir en direct, vous voulez l’observer attentivement, en vous rendant à la galerie et en parlant avec le galeriste. Vous ne l’achetez pas sur un marketplace en ligne parce que vous n’avez aucune garantie. La numérisation est nécessaire, surtout pour la conservation de la documentation relative aux œuvres et pour l’exposition des images sur le site de la galerie.
La vente, cependant, est une autre chose. Une chose est de vendre un multiple ou une impression, une autre est de vendre une œuvre unique. Je n’achèterais jamais une œuvre importante en ligne, à moins qu’il ne s’agisse d’une maison de vente aux enchères accréditée. Mais même dans ce cas, j’essaierais d’aller voir l’exposition de la vente aux enchères au préalable.
Quels conseils donneriez-vous à ceux qui souhaitent investir dans l’art ?
Je conseille de ne pas suivre le marché. Si tu n’es pas un spéculateur ou un trader, tu n’as pas besoin de savoir quels sont les noms qui vont fort sur le marché. Si le marché les traite, cela signifie que les affaires sont déjà faites et qu’il ne te reste que les miettes.
Je crois que ceux qui veulent investir dans l’art n’ont que deux options. S’ils ont du temps, ils commencent à étudier et à s’intéresser à l’art. Avec le temps, ils apprendront à connaître et à comprendre quelles choses acheter. Ceux qui n’ont pas de temps doivent se fier à un expert, ou mieux à un conservateur.
Je laisserais tomber les art advisor, professionnels qui connaissent le marché de l’art, pas l’art ou les artistes. Vous ne les voyez pas aux expositions des jeunes, ils ne vont pas dans les ateliers des artistes, ils ne lisent pas les livres d’histoire de l’art, ils ne comprennent pas les raisons intrinsèques d’une recherche artistique, simplement parce qu’ils s’intéressent à autre chose. Ceux qui connaissent vraiment l’art, le fréquentent, le vivent peuvent deviner des choses que les art advisor confirment ensuite, lorsque l’ascension ou le succès d’un artiste ont déjà eu lieu.
Il y a aussi une troisième option, peut-être la plus répandue : ceux qui n’ont pas le temps d’étudier ou ne veulent pas faire appel à un consultant peuvent imiter ce que font les collectionneurs célèbres, ceux qui font office de trend setter. Cependant, cela me semble une perspective vraiment triste.
Experte en marketing digital, Amelia a commencé à travailler dans le secteur de la fintech en 2014 après avoir écrit sa thèse sur la technologie Bitcoin. Auparavant, elle a été auteure pour plusieurs magazines internationaux liés aux cryptomonnaies et CMO chez Eidoo. Elle est aujourd’hui cofondatrice et rédactrice en chef de The Cryptonomist et d’Econique.
